¡Ya tenemos fotografía ganadora del concurso #retorafmarinaovejero cuyo premio es una licencia perpetua de Capture One Fujifilm 20!
Con más de 100 fotografías etiquetadas con los hashtags #retorafmarinaovejero, #captureonepro y #encasaconfujifilm, la jurado y autora de la foto, la X-Photographer Marina Ovejero, ha seleccionado como ganadora el revelado de Cris Vigaray.
Bases del concurso:
Fechas: Del 6 al 13 de abril de 2020.
Participantes: Mayores de 18 años, residentes legalmente en España.
Premio: Una licencia perpetua Capture One Fujifilm 20.
Jurado: La autora de la fotografía.
Mecánica: Publica en Instagram tu edición personal de la fotografía en formato RAF proporcionada por Fujifilm, sigue la cuenta @esfujifilmx y añade los hashtags #retorafmarinaovejero, #encasaconfujifilm y #captureonepro. Es posible participar con un número ilimitado de fotografías.
Anuncio del ganador: Fujifilm contactará a través de Instagram mediante mensaje privado con la persona ganadora en un plazo inferior a 5 días tras la finalización del concurso.
Otras consideraciones:
Fujifilm no realizará un uso comercial de las fotografías presentadas a concurso sin previa autorización por escrito tanto del fotógrafo propietario de los derechos de la imagen como de la persona que ha realizado la edición de la misma.
La participación en este concurso conlleva el consentimiento implícito por parte del participante a que Fujifilm dé a conocer públicamente la fotografía ganadora y mencione al autor de la edición.
La plataforma Instagram no tiene relación alguna con la celebración de este concurso.
La participación en este concurso implica la aceptación de estas bases.
La Tierra en su ciclo natural debería entrar en una nueva fase de glaciación, pero el hombre está interviniendo en el clima y provocando un calentamiento planetario, tan súbito que no tiene precedentes en su historia.
Para terminar el proyecto Melting Landscapes he viajado a la Antártida con la cámara de mayor calidad existente, la Fujifilm GFX100, una maravilla tecnológica.
Un continente, nueve países, ciento veintidós días, cincuenta grupos étnicos, treinta vuelos, más de un millón de pasos y nosecuantos buses, coches, motos, barcos y tuktuk. Una cámara Fujifilm GFX50R y más de cien retratos.
Cuando te planteas un viaje fotográfico de estas dimensiones, necesitas un equipamiento a la altura. Desde la ropa o la bolsa hasta por supuesto, el equipo fotográfico, todo esto, ha de ser cien por cien confiable. Estando al otro lado del mundo, muchas veces en medio de la nada, no te puedes permitir que algo falle y tener que interrumpir el proyecto por una mala planificación o un fallo técnico no es una opción. Aun así, por fiable que sea, yo siempre recomiendo llevar un cuerpo extra y la cámara Fujifilm GFX50R me lo permite, porque a pesar de su monstruoso sensor, apenas pesa 775gr, unos 200gr menos que cualquier DSLR del mercado con un sensor de la mitad de tamaño.
Quien conoce a un fotógrafo que viaja, suele pensar que nos pasamos el día con la cámara en la mano, disparando y disfrutando de nuestra más obsesiva pasión, pero, lo que la mayoría no sabe, es que no todo es el romanticismo de los viajes y disparar fotos en los parajes más alucinantes a sujetos realmente singulares. Un proyecto como Face Oblivion, requiere de muchos meses de documentación y preparación. Primero, tienes que averiguar y decidir ¿qué vas a fotografiar? y ¿por qué?. Luego viene la preparación del viaje, saber cómo llegarás a esos lugares, contactar posibles guías locales y/o traductores, calcular bien la ruta para no perder tiempo, conexiones de vuelos con autobuses, trenes y barcos, gestionar permisos, presupuesto, tener en cuenta si vas a caminar mucho o no, para en función de eso, decidir qué equipo llevarás, hacer pruebas en casa si te llevas algo de material nuevo, para comprobar que todo funciona como esperas. Si llevas un dron, tienes que informarte bien de la legislación en cada país, entrevistarte con periodistas y expertos en la zona, porque pueden darte claves importantísimas que pueden hacerte cambiar de rumbo. Debes informarte sobre fiestas y rituales que puedan suceder mientras estas allí, por si pueda aportar algo a tu proyecto y debas cambiar el calendario que tenías previsto. Conocer los usos y costumbres locales, puede evitar que metas la pata y se te complique la vida con una tontería. En definitiva, un trabajo previo que a veces te puede llevar meses. Cuando llegas al lugar, la mayor parte del tiempo lo pasas viajando, negociando, comiendo, durmiendo y solo un poco disparando. Si hacemos un cálculo rápido, de 100 retratos a 15 minutos cada uno (en realidad nunca fue tanto tiempo) tenemos un resultado de 1 día haciendo clic y 121 con la cabeza en otro lado.
Existe la creencia, de que el Sudeste Asiático es solo sol y playa. Lo que nos venden las agencias de viajes es pad thai, masajes, playas paradisíacas y poco más, cuando en realidad esa zona de Asia, dividida en dos grandes regiones como son, la península de Indochina y el archipiélago malayo, en las que hay 11 países con una superficie de 5 millones de kilómetros cuadrados, tiene una gran variedad de ambientes y paisajes. Allí, nace la cordillera del Himalaya, hay bosques lluviosos, sabanas, volcanes y por supuesto, playas. Las temperaturas varían entre los -15 y los +45° centígrados. Con este escenario, de lo que llevemos en nuestra mochila, dependerá el éxito o el fracaso de nuestra aventura, así que hay que poner mucha atención en cada detalle.
Las más intactas y ancestrales culturas sudeste asiático están ahora mismo enfrentando los peligros de la globalización. Sus junglas arden por culpa del aceite de palma y por el negocio maderero; carreteras y aviones están llegando a las áreas más remotas en pos de la mejora de las rutas de comercio y turismo; las personas, especialmente los jóvenes tienen acceso a internet y a la televisión y como todos los mundos, quieren vestir vaqueros y camisetas de sus equipos de fútbol favoritos, quieren parecerse a nosotros, a lo que ellos consideran una civilización exitosa.
Los Lao, Thai, Khmer, Visayas, Melayu o Jawa han asimilado completamente nuestro modo de vida. Mantienen su gastronomía y su lengua, pero, muchos de ellos se han convertido al cristianismo o al islam. El animismo ha sido prohibido en muchos lugares. Los ritos de paso de muchas tribus de Borneo no están permitidos por las leyes malayas.
Poco a poco, nuestro mundo conquista su mundo; máscaras de submarinismo y compresores de aire para los gitanos del mar, en Malasia, Indonesia, Tailandia o Filipinas, ciclomotores en áreas extremadamente remotas son usadas por los Nuhkui, en Laos, el metal corrugado está sustituyendo a los tradicionales techos de paja de los Ifugao en Filipinas. La comida rápida y los refrescos están volviendo gorda a la población. Todas esas pequeñas cosas están aniquilando la esencia y las raíces de estas gentes.
En medio de todo esto, le pregunto a las personas que fotografío que es lo más importante para ellos en la vida y que esperan del futuro y trato de mostrar esos anhelos o sentimientos en una fotografía que coloco al lado del retrato. No importa de dónde seamos o que color de piel tengamos, todos, queremos lo mismo, todos amamos lo mismo. Nuestra familia, la religión, el bien para nuestra comunidad…
Esta es una búsqueda personal, para tratar de averiguar qué es lo más importante para mí en la vida, para ello he hecho esta pregunta a más de doscientos seres humanos en todo el sudeste asiático durante 8 años.
Una vez alguien me dijo, alguien que no tiene ni idea de fotografía en absoluto y que me dio la opinión de alguien, que nunca había estado delante de una imagen fotográfica de esas dimensiones, “Da la impresión de que puedes tocarla, de que tiene volumen”. Creo, que es el mejor piropo que he recibido en mi carrera profesional, porque eso es lo que persigo, ser lo más fiel posible a la realidad. Para esto, la cámara Fujifilm GFX50R es la herramienta perfecta. La fidelidad con la que capta los colores y algunos detalles imperceptibles para la mayoría de sus competidores, la convirtieron en mi elección. Los fabricantes que están a la altura en cuestiones de captación, no lo están en materia de portabilidad y resistencia a la intemperie, así que, básicamente, este nicho de la fotografía documental de alta calidad, es un coto de caza privado de Fujifilm.
Elegí el formato medio, porque es un proyecto destinado a ser expuesto en gran formato. Cuando haces copias a partir de 70 centímetros, es cuando realmente ves las diferencias entre formatos. El ruido, la profundidad de color y su rango dinámico son absolutamente incomparables y eso, es lo que quería, que quien se plante delante de uno de mis retratos, no vea pixels, sino a una persona con la que parezca que puedes mantener una conversación.
Este año se cumplen 25 años de profesión para mí, he pasado por todas las marcas posibles, incluso por algunas que ya no existen. Para los retratos, siempre usé formato medio, sobre todo por el visor superior, que me permitía disparar a la altura de la cintura. Esto tiene dos beneficios clave: uno, evita la fuga de líneas, sobre todo si trabajamos con un gran angular, así, la molesta deformación que convierte a las personas en chinchetas, desaparece. Y segundo y no menos importante, porque me permitía mantener el contacto visual con las personas fotografiadas. La cámara en la cara, crea una barrera de comunicación con el/la modelo, que además te hace perder fotos continuamente. La pantalla abatible de esta Fujifilm, me permite seguir haciéndolo.
En este vídeo, el X-Photographer David Airob entrevista al fotógrafo David Jiménez, quien nos habla de su pasión por las cámaras de la gama X100 y hace un repaso a sus trabajos fotográficos más recientes, entre ellos el proyecto “Universos”, el cual formó parte de Photo España 2019.
* Vídeo grabado por Pepe Molina con Fujifilm X-T3 y ópticas MK-X
En esta entrevista, David Jiménez y David Airob hacen un repaso a las cuatro primeras generaciones de la Serie X100.
Si quieres conocer el último modelo incorporado a esta serie, no te pierdas este vídeo en el que los propios diseñadores de la cámara X100V hablan de las importantes novedades que incorpora.
Recientemente Fujifilm me dio la oportunidad de realizar una sesión de fotos con una unidad de pre producción de la cámara Fujifilm X-T4 en CPD Fortea de Madrid. En primer lugar, me gustaría agradecer la colaboración de la dirección, de los profesores, así como de los bailarines para realizar esta sesión de trabajo. Las imágenes tomadas reflejan el talento y la fuerza de estos bailarines y la belleza y el movimiento de la danza española y el baile flamenco.
Sometimos a la cámara Fujifilm X-T4 a una prueba muy exigente y estoy encantado con el resultado. Habitualmente trabajo con el modelo Fujifilm X-H1 y ya disfrutaba de la ventaja de tener el estabilizador de imagen incorporado, una función muy mejorada en el nuevo equipo. La calidad del nuevo sensor también es extraordinaria.
Otras mejoras a destacar son: un autoenfoque mucho más rápido (0,02 segundos), un nuevo obturador más rápido, duradero y silencioso (hasta 15fps), así como la nueva pantalla LCD táctil y orientable, que resulta muy cómoda y práctica. Por último, me gustaría destacar el espectacular modo de simulación de película Eterna Bleach Bypass.
A continuación os muestro la galería de imágenes (todas ellas en formato jpg) tomada durante la citada sesión en la Escuela Fortea.
Cuando hace unos meses nos propusimos hacer un proyecto fotográfico conjunto, pensamos que tenía que ser algo que nos apasionase a ambos y, a la vez, tenía que ser en un lugar donde los equipos fotográficos Fujifilm se pudiesen poner a prueba bajo duras condiciones climáticas.
Aquí nace Boreal Wings. Por primera vez en España dos X-Photographer de naturaleza fotografiaríamos aves en el Ártico noruego y la Laponia finlandesa para poner a prueba nuestros equipos.
Nuestro plan consistió en fotografiar el mayor número de especies posible en tan solo nueve días de viaje. Comenzamos nuestra aventura en la localidad lapona de Kaamanen, en el corazón de la taiga finlandesa.
Este primer contacto nos produjo un gran entusiasmo, donde carboneros lapones y sibilinos, camachuelos picogruesos, arrendajos siberianos y, por supuesto, un buen número de ardillas grises supondrían en nuestra primera etapa todo un reto.
El frío polar presente en todo momento puso a prueba tanto a fotógrafos como a equipos, ya que la temperatura ambiente oscilaba a lo largo del día entre -10 ºC y -15 ºC y, en ocasiones, iba acompañada de fuertes ventiscas que propiciaban aún más una sensación térmica muy por debajo de las temperaturas indicadas. Este frío nos hacía, a veces, desistir para recuperar la destreza necesaria que nos permitiese continuar con nuestros propósitos fotográficos y probar nuestros equipos ante tales condiciones (hemos de decir que, en todo momento, la respuesta fue firme ante nuestras exigencias).
Cierto es que, bajo la penumbra de un bosque de pinos y abedules, donde la luz natural era muy escasa, el uso de ópticas ultraluminosas nos fue de gran ayuda. En estos casos, y al tratarse de aves pequeñas y muy inquietas, poder reducir el tiempo de exposición para conseguir velocidades de obturación adecuadas es indispensable para garantizar buenos resultados.
Ante nuestro escenario, las condiciones para fotografiar estas pequeñas y agitadas aves eran un tanto complejas por la cantidad de vegetación existente. Nuestra primera toma de contacto suponía una interesante prueba de equipo, sobre todo para el sistema de enfoque, cuya gran cobertura de puntos en el área nos facilita mantener un sistema de enfoque efectivo a la vez que conservamos la composición. Algo que nos gusta mucho es poder aumentar o reducir el punto único de enfoque para adaptarlo, en este caso, al escenario tan enmarañado por donde se movían nuestros protagonistas.
Para ello, decidimos disponer de distintas unidades de cámaras, por lo que incluimos en nuestras mochilas fotográficas dos unidades de Fujifilm X-T3, dos unidades de Fujifilm X-H1 y un cuerpo Fujifilm GFX 50S de formato medio, principalmente para paisajes.
En cuanto a ópticas, nuestra elección era sencilla: dos unidades del nuevo teleobjetivo ultraluminoso Fujinon XF20 mm F2 combinados en los cuerpos X-T3. Este conjunto, unido al nuevo teleconvertidor 1.4x, nos ofrece una distancia focal equivalente a 420 mm F2.8 y, si a esto le sumamos el factor de recorte deportivo de 1.25x que posee la cámara, obtenemos una focal nada desdeñable de 525 mm F2.8 (aun cuando hay que tener en cuenta que, si usamos este recorte, la cámara nos entrega un raw de 16,6 Megapíxeles). El uso de estas distancias focales, en apenas 3 kg de peso en conjunto, nos permitió disfrutar de una gran polivalencia al combinar estos tres factores, además de poder disparar muy cómodamente a pulso a sujetos en vuelo.
Los cuerpos Fujifilm X-H1 los destinamos para tomas de vídeo a mano alzada, así como para fotografías con gran angular. Los objetivos utilizados fueron el nuevo Fujinon XF8-16mm F2.8, Fujinon XF16mm F1.4 y Fujinon XF10-24mm F4.
Al día siguiente, tocaba cambio drástico de ambiente; pasaríamos de los maravillosos bosques lapones a la tundra ártica noruega, con un auténtico páramo de nieve y hielo que nos esperaba para recordarnos que estábamos en el Ártico. En nuestro camino hacia la localidad costera de Båtsfjord, en la península de Varanger, pudimos comprobar la dureza de estos parajes. El frío y el viento glacial nos pusieron en más de un apuro, ya que apenas nos dejaban apretar los obturadores de nuestras cámaras, haciendo que, en ocasiones, resultase prácticamente imposible realizar nuestro trabajo.
Tras la complicada y dura travesía por este paraje de tundra helada, que puso a prueba nuestra resistencia en algunos momentos, llegamos a nuestro destino, el puerto pesquero de Båtsfjord.
Al día siguiente, tocó madrugar y, a las dos de la madrugada, esperábamos ya a nuestro contacto para salir en zodiac en busca de los ansiados eíderes reales, eíderes chicos o de Steller y los elegantes patos havelda.
Para esta sesión, en la que permanecimos ocho horas flotando en una pequeña plataforma, decidimos montar de nuevo nuestras Fujifilm X-T3 con el Fujinon XF200mm F2 y dos cuerpos de Fujifilm X-H1 para la grabación de planos de vídeo, ya que su estabilización de cinco ejes sería perfecta para tomas a pulso dentro del escondite flotante.
Esa mañana, un fuerte temporal de viento y nieve zarandeó el escondite a un lado y otro y hacer fotos en aquella especie de montaña rusa se convirtió en una auténtica odisea. Tras un fuerte mareo, y con el cuerpo entumecido por el frío y la humedad, la agitada mañana se saldó con apenas unas fotos de los famosos eíderes.
Tras salir del escondite flotante, nuestro guía nos ofreció una excursión en zodiac por el fiordo para poder fotografiar eíderes en vuelo y visitar una colonia de gaviotas tridáctilas que anidaban en un viejo y abandonado buque, algo realmente bello e inédito.
Nuevo día. Nueva etapa. Recogimos los bártulos y recorrimos 200 km hacia el enorme fiordo de Varanger, concretamente a la localidad noruega de Vestre-Jakobselv. Algo de nerviosismo se palpaba en el ambiente, ya que estábamos a punto de ver y fotografiar, por vez primera, a nuestra ansiada y deseada lechuza gavilana, ave rapaz de tamaño medio que habita en estos inhóspitos parajes, los grandes bosques de abedules de la región.
Tras dejar el coche en el pueblo de Vestre, nuestro guía nos esperaba con las motos de nieve para adentrarnos en un bosque de acceso restringido donde crían estas mágicas aves. Tras un buen rato de incesante búsqueda, y de dejarnos la vista en cada abedul, allí estaba, quieta, expectante, a la espera de dar buena cuenta de alguna pequeña presa oculta bajo el denso manto de nieve. Gracias a los buenos consejos de nuestro guía y amigo Øyvlind, pudimos fotografiar a nuestro santo grial con una enorme emoción, sabedores de que habíamos cumplido un sueño que llevábamos años persiguiendo.
Pero nuestra aventura fotográfica del día no finalizó aquí. Al caer la tarde, nos aguardaban dos grandes sorpresas en nuestra pequeña cabaña. Después de descansar y reponer fuerzas al calor de una buena estufa, y tras fotografiar, de nuevo, algunas aves de bosque, cuando prácticamente no quedaba luz y dábamos nuestra jornada por acabada, surgieron de la nieve, como si de pequeños fantasmas se tratase, tres hermosas liebres árticas con su níveo e impoluto pelaje; todo un regalo para nuestras retinas y, por supuesto, para nuestras tarjetas de memoria.
Tras una buena sesión con las liebres, la segunda sorpresa pronto haría acto de presencia. Ya con la noche cerrada, y después un largo día con fuertes nevadas, el cielo se abrió sobre nosotros y allí estaba ella, nuestra amiga «Aurora», bailando y danzando con su hermoso vestido verde esmeralda que ponía la guinda a una jornada perfecta, llena de grandes sentimientos y emociones para ambos.
Segunda parte de la entrevista de Amanda Bernal al X-Photographer David Airob.
Puedes leer la primera parte haciendo click aquí.
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A: Por lo que me explicas, entiendo que tampoco eres de los que dispara muchas fotografías…
D: No, realmente no soy muy de tirar fotos y no uso ráfaga. Si tiras mucho, al final, pierde un poco el sentido de lo que estás haciendo. A pesar de ello, a veces la circunstancia lo requiere, igual que es lícito reencuadrar. Me gusta mucho trabajar con lo que sería el negativo entero, pero no tengo reparo en poder reencuadrar un poco la fotografía si eso hace que gane.
A: Has ganado numerosos premios de fotografía, ¿recuerdas la ocasión en que ganaste el primero?
D: El primer premio que gané fue el Premio Agustí Centelles de fotoperiodismo, lo entregaba el diario Avui. También me emocionó el World Press Photo de vídeo, por el proyecto Calcio Storico que hice con David Ramos. David y yo somos muy amigos, es un gran profesional, y fue un trabajo defendiendo lo que nos gustaba. La alegría fue enorme, no solo porque a nivel de prensa y documental ese premio sea a lo máximo a lo que puedes aspirar, sino también por haberlo hecho con mi amigo, apostamos mucho por una manera de hacer, decidimos hacerlo para aprender y nunca lo habíamos hecho. Siempre voy a buscar la excelencia, eso es lo que te diferencia. Dar todo lo que tú puedes dar y apostar por la calidad. “Calcio Storico” se presentó en cuatro sitios y en tres recibió el premio, creo mucho en esa manera de trabajar.
A: ¿Qué dos cosas son las que te llevarías de tu experiencia de fotógrafo y jefe de fotografía en La Vanguardia?
D: La relación con los compañeros y el aprendizaje.
A: En general, ¿podrías decirme cuando decides usar el color o el blanco y negro en tu fotografía?
D: Soy mucho más fotógrafo de color que de blanco y negro. En Soldados de Salamina usé el blanco y negro porque procuré trabajar con ópticas con las que se trabajaba en la Guerra Civil, tener un poco la perspectiva de la época y porque yo lo veía en blanco y negro. José Manuel Nafue la primera persona que cogió mi cabeza e hizo “cloc”. Me acuerdo que salí de su taller pensando en todo el significado de la fotografía documental. Además hablé con él y me dijo “¿por qué has hecho eso en blanco y negro?” yo respondí “porque este tema no tiene color” y él me respondió “sí… lo único que tú aún no lo has visto. Todo tiene color, has de aprender a verlo”. Eso se me quedó grabado a fuego. Evidentemente el color se ha de que trabajar bien, por eso también es muy importante conocer el sensor de la cámara con la que trabajas.
A: ¿Cómo valoras el panorama actual del fotógrafo documental y de prensa? A nivel de oportunidades, forma de trabajar, medios…
D: Mal. No porque lo diga yo, solo hay que ver lo que está pasando en los medios. La gente dice “es que los móviles han hecho daño” en realidad son algunos medios que han prescindido de la calidad o no es prioritaria, han escogido “la foto gratis”.
A: ¿Crees que hay paridad y que el acceso de la mujer fotógrafa es el mismo que el del hombre fotógrafo (si nos basamos en esa dicotomía de género)?
D: Estoy en contra absoluta de hacer una selección de fotógrafos en base a su género, he trabajado con fotógrafas muy buenas. Escojo a las personas por su valor como profesional. La Vanguardia es uno de los diarios donde el equipo estaba bastante ponderado. También tienes que adaptarte a los fotógrafos que están disponibles en ese momento. Pero en algunos casos sí que percibo una diferencia de acceso, hay una barrera inconsciente, las mujeres se lo tienen que trabajar más para acceder.
A: ¿Por qué decidiste escoger la figura de Joan Guerrero para tu primer documental, La caja de cerillas, y cómo describirías tu experiencia en la realización del mismo?
D: Los motivos de realizarlo son por los valores que él representa y porque creí que era necesario que la manera de ver de Juan estuviera registrada para consultarla. Este es un proyecto didáctico. Se ha ofrecido como actividad gratuita a escuelas y en las que lo hemos llevado a cabo, ha sido una gran experiencia. Te aseguro que los alumnos quedaban petrificados. Aplaudían, haciéndose fotos con Juan. Después las escuelas, sin pedirlo nosotros, les pedían hacer una redacción sobre qué habían sentido al verlo. Por ejemplo, uno decía “después de haber visto este documental de Juan, quiero ser mejor persona”. Rodar el largometraje fue una experiencia durísima, porque lo hicimos nosotros dos solos y en dos años, por cómo queríamos que fuera: el cartel es de Mariscal, la música compuesta a propósito por José Bautista etc. Fue un proyecto que, como un trabajo de orfebrería, además de costearlo, lo hice todo. No es un proyecto para ganar dinero, de hecho nunca se ha presentado a ningún festival.
A: El sitio donde nos encontramos hoy no ha sido al azar, tiene una gran carga histórica y social por los hechos de 1938 y los bombardeos italianos. Durante un tiempo, por parte del franquismo, se quiso hacer creer que eran marcas de fusilamientos contra los sacerdotes de la iglesia. ¿Crees que la fotografía tiene un papel importante en la preservación de la memoria histórica? Esta parte común de nuestras vidas y recuerdos… ¿Y cuánto de objetividad hay en una fotografía?
D: Sí, totalmente. Más el documentalismo, que es tan necesario. Tú seleccionas trocitos de vida y decides qué encuadre haces. Por eso es tan importante la honestidad. Cuando haces una fotografía sobre un suceso, tú eres el que haces la fotografía, eres el que decides enviarla – al diario-, eres el responsable. Si luego esa fotografía que has hecho, un medio de comunicación le da un relato que no era el original, eres el que tiene que llamar la atención sobre eso. Pero ante todo, tú decides lo que miras, seleccionas y mandas. Eso requiere responsabilidad. Y más en una era digital donde la gente sabe que puedes borrar, incorporar elementos, etc., la única cosa que garantiza la veracidad es tu nombre, porque tú puedes asegurar con tu forma habitual de trabajar que eres honesto y responsable con tu trabajo.
David Airob fotografiado por Amanda Bernal
Selección de fotografías realizadas por David Airob
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
¿Quieres descubrir los secretos de la fotografía de reportaje de la mano del reconocido fotoperiodista y X-Photographer David Airob? Descubre cómo asistir en el siguiente enlace.
David Airob, Barcelona en 1967, ha sido siempre referencia de un trabajo bien hecho y con alma. Dedicado desde hace casi cuarenta años a la fotografía documental y de prensa. Fotógrafo en La Vanguardia des de 1990, siendo jefe de edición entre 2007 y 2010, cubriendo todo tipo de sucesos. También es videógrafo, con el corto “Calcio Storico”, recibió el Premio World Press Photo y POY Latam en la categoría de “Multimedia” y el largometraje documental “La caja de cerillas”, basado en las experiencias personales y profesionales del fotoperiodista español Joan Guerrero. Ha recibido numerosos premios de fotografía como el Sony World Photography Awards y el Premio “Agustí Centelles” de fotoperiodismo entre otros. Ha publicado en renombrados medios y publicaciones como Time, Paris-Match i Der Spiegel i es cofundador del Centro de Fotografía Documental de Barcelona.
Amanda Bernal, Barcelona en 1989, siendo Sant Cugat del Vallès su ciudad de origen. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y máster en Gestión Cultural por IDEC-UPF, vive y trabaja en Barcelona. En los últimos años, trabaja y participa en diferentes proyectos, entidades y colectivos, organizando actividades en el ámbito de la fotografía, la gestión cultural y la educación artística. Ha realizado también numerosas exposiciones individuales y colectivas. Actualmente compagina la co-dirección del Lumínic Festival (1r Festival de Fotografía de Sant Cugat del Vallès), con la realización de proyectos educativos, encargos fotográficos y producción de obra propia, basados en la fotografía y la poesía. L’Esquerda i SATORI son sus proyectos más recientes. Actualmente, también cursa el máster en Antropología y Etnografía en la Universidad de Barcelona.
Hoy tengo la oportunidad de encontrarme con David y saber más sobre cómo entiende y vive la fotografía. Nos encontramos en la Plaza Sant Felip Neri, uno de los sitios más auténticos y cargados de historia de Barcelona, con su arquitectura barroca y las marcas en una piedra que ha vivido, sufrido y contemplado las vidas de sus gentes. Llego un poco antes y comienzo a hacer fotografías de la plaza, con pocos transeúntes. En unos minutos llega David y me pilla in fraganti. Nos saludamos y ambos coincidimos en que es la hora de un buen desayuno. Caminando por las callejuelas del barrio gótico, llegamos a la Placeta de Manuel Ribé y nos sentamos en una terracita. David es una persona despierta al mundo y enérgica. Su mirada sincera me despierta un gran respeto y complicidad. Siento que esa complicidad sería ahora mismo la única manera de relacionarme con él, me siento muy cómoda y justo entonces llega nuestro desayuno, unos croissants recién hechos y el olor a café nos acompaña en el inicio de nuestra entrevista. Me doy cuenta de que David siempre tiene una sonrisa preparada y entiendo hasta qué punto ama su trabajo y lo vive con intensidad.
A: ¿Cómo y cuándo empezaste a fotografiar?
D: Era muy joven, la verdad es que podía tener unos 15 años y ya me gustaba mucho. Un verano trabajé con un fotógrafo de moda, que me explotó y no me pagaba nada- se ríe recordando viejos tiempos- pero estaba bien como comienzo. Cuando empecé los primeros trabajos, recogí dinero, me compré la primera cámara, la llevaba siempre conmigo. Comencé a tomar fotografías de aquello que me llamaba la atención y algunas las llevé al periódico para ver si las querían. A partir de allí me fui introduciendo en la profesión. Entonces me tuve que ir a la mili, en ese momento surge el nombre de David Airob, no es mi nombre real, porque yo me llamo David Ibernón. Lo que pasó es que durante la mili, en Ibiza, yo colaboraba con algunos medios de Barcelona pero no me dejaban trabajar al estar de soldado, entonces me inventé este nombre, es mi segundo apellido al revés, Boria. La verdad es que cuando llegué aquí después, me conocían más por Airob que por Ibernón, entonces decidí utilizar ese nombre. Aunque entonces yo no sabía ni si me iba a dedicar a la fotografía profesional.
A: ¿Recuerdas cuándo decidiste dedicarte a la fotografía?
D: Cuando regresé de la mili estuve trabajando dos años aproximadamente en tiendas de fotografía, me confirmó que no era mi sitio, porque la calle me tiraba mucho y decidí dejarlo y aventurarme a ser fotógrafo profesional – “si no lo pruebo, no lo sé” apunta-. En ese momento, empecé a colaborar con La Vanguardia, poco a poco el incremento de trabajo fue a más hasta el punto de dedicarme exclusivamente a ese proyecto, tendría unos 23 años.
Paralelamente, me interesaba desarrollar proyectos propios. Creo que es donde disfrutas más, aunque a mí la prensa diaria me gusta muchísimo, me lo pasaba super bien – se para un momento recordando y mira un momento su café – si te gusta la calle, es muy bonito, además creo que para un fotógrafo que quiere hacer prensa o documental, el diario, aunque vas como muy marcado por los tiempos, te enseña mucho. Sobre todo a resolver rápido, y ante una situación decir “la foto es aquí”. También tiene muchas cosas no tan buenas – se ríe – pero la prensa diaria te sirve mucho para aprender a trabajar a un ritmo muy dinámico, hay un punto de “apagafuegos”, pero no es un drama ya que te habitúas a esa forma de trabajar y es lo que te da vida y energía.
A: Desde muy joven ya coges la dinámica y es algo que ya tienes interiorizado…
D: Claro, justamente cuando este año pasado dejé el diario, he estado bien, porque afortunadamente tengo muchos proyectos independientes, tanto a nivel laboral como de aficiones, y a mí también me apetecía un poco un parón, pero lo echas mucho en falta, el ritmo… en el diario estuve casi 30 años.
A: ¿Entiendes la fotografía como una profesión o un modo de ver y entender?
D: Para mí no es una obsesión, es una forma de vida. Además, yo tengo muchas aficiones como la música – toco varios instrumentos- y también es una parte muy importante en mi forma de funcionar. También me gusta mucho el cine. No soy de aquellos que se van de vacaciones y dejan las cámaras. En prensa tienes la ventaja de verlo todo en directo y esa maravilla de oportunidad de ver las cosas en primera línea. Puedes opinar por lo que ves, no por lo que te cuentan. En directo hay muchos grises, las cosas no son tan polarizadas.
A: ¿Cuál es tu equipo base cuando sales a fotografiar? ¿Cómo y cuando hiciste el salto a Fujifilm?
D: De cámaras no soy muy fetichista, pero sí que quiero una cámara que me guste físicamente. Yo creo que me pasé a Fujifilm por la cámara X-100. En una ocasión tuve que ir a Turquía para un magazine de La Vanguardia, me llevé la X-100 y una DSLR con ópticas y demás. A la vuelta edité el trabajo y lo llevé al editor jefe del magazine del periódico, Pepe Baeza. Me dijo su selección y todas las que había escogido estaban hechas con la X-100. Cada cámara te hace ver de una manera distinta, y la X-100 tiene ese encanto. Para mí, Fujifilm no tiene otra cámara como esa. Si ahora me dijeran, de todo lo que tiene Fujifilm, qué te llevarías a una isla desierta, si dejamos el formato medio fuera de este juego, sería la X-100 sin ninguna duda.
A: ¿Cómo llegas a ser embajador de Fujifilm y qué ha significado para tí?
D: Con la X-100 inicié mi relación de amor con Fujifilm y también como primer Ambassador aquí en España. Me llamaron y me hizo ilusión, pero tengo muy claro que si no me gustaran las cámaras no sería Ambassador. Sé de gente que quizás, porque le den un equipo, sería Ambassador de algo en lo que no cree. También me gusta estar con Fujifilm porque escuchan, soy muy crítico, cuando una cosa de una cámara no me gusta, razono el por qué y lo digo. Esa es también la finalidad de ser Ambassador, dar un feedback sobre el material. Y en general, lo que la gente ha reclamado, lo han aplicado. Considero mi relación con Fujifilm muy familiar, gente a la que aprecio mucho, se ha establecido una relación casi de amigos.
Soy Ambassador de Fujifilm porque creo en la marca y quiero que cada día mejore. La relación con las personas de Fujifilm me hacen estar muy a gusto.
A: ¿Cuando sales a fotografiar, cómo te acercas a la escena? ¿Tienes una idea en tu cabeza o ninguna predisposición concreta?
D: Normalmente no me gusta ir condicionado, pero depende de la cámara con la que vas, miras distinto. Yo soy bastante anti angulares, aunque en prensa diaria sí que en ocasiones necesitas usarlos. La primera vez que me compré un zoom fue un 24-70mm. Al cabo de un año de trabajo miré cuál era la distancia focal media de las fotografías que había enviado al diario, descubriendo que eran 43mm. Eso dice mucho de tu forma de trabajar. No soy un fotógrafo al que le guste mucho la invasión de terreno, usando un angular muy exagerado me obliga a estar muy pegado a la escena, sobre todo las curvas y caídas de angular me ponen nervioso. Creo que también es influencia de mi gusto por la pintura, hay una herencia a nivel artístico. Me gusta mucho Hopper, es muy fotográfico y cinematográfico, tengo muchos libros de análisis etc, te das cuenta de otros pintores que te gustan y ves una línea que te recuerda. No sales a la calle diciendo “¿Cómo lo haría Hopper?”, sería absurdo, tienes esas composiciones inconscientemente. La composición es un asunto de estómago, a base de que has culturizado tus ojos. Me gusta mucho el director de fotografía Lukasz Zal, en los filmes “Ida” y “Cold War”.
A: ¿Entonces tú crees también que como fotógrafo, es bueno el hecho de enriquecerte con otros tipos de arte, para que haya este intercambio y tener todo tipo de referentes?
D: Totalmente. Por recomendación de un amigo, leí una tesis de un director de orquesta que mencionaba “el arte de elegir”, aplicable a la fotografía, a la edición gráfica, a la música, a todo. Es alucinante. De pronto un director de orquesta te está dando pautas para editar fotografía. La edición no es una ciencia exacta. En el documentalismo hay mucha carencia en ese aspecto. He ido a talleres donde se hacían revisiones de portfolio, llevabas tu trabajo y te los discutían; es la única manera de aprender. Te pones en manos de alguien que sabe seleccionar, que sabe contar de una manera que quizás tu no la habías imaginado. Cuando he participado, encuentro que muchos fotógrafos tienen el mismo problema, la forma de contar. Quizás hay un material muy bueno, pero quieren mostrar mucho material, demasiada cantidad de fotografías. Creo que los fotógrafos deberían asistir mucho más a cursos de edición gráfica, te hace mejor fotógrafo. Para aprender a contar; cuando miras unas fotos que “se pasan como aceite”, el orden que le has dado a las imágenes, cuando ves un trabajo bueno y una buena narración. Eso también es muy cinematográfico, el orden, la secuencia…
A: ¿Describirías tu fotografía de algún modo?
D: Honesta – tras un silencio añade – que ya es muy difícil – ríe -. ¡Con lo que cuesta hacer una buena foto! Cuando estaba en el diario hacía un ejercicio, al final del año, de todas las imágenes que había enviado, seleccionaba las que yo consideraba las mejores. No habían más de cinco o seis que tuvieran un peso informativo, mirada distinta y buena composición. Realmente es complicado.
David Airob fotografiado por Amanda Bernal
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Galería de fotografías realizadas con la cámara Fujifilm X-Pro2 por David Airob:
